Muzej J. Paul Getty

Muzej J. Paul Getty


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Muzej J. Paul Getty v Malibuju v Kaliforniji se nahaja na hribu v gorah Santa Monica, tik ob avtocesti San Diego. Umetnost je imel za razsvetljevalni vpliv; njegova perspektiva je privedla do nastanka muzeja. Muzej Getty, ki je bil prvič zgrajen leta 1971, predstavlja Gettyjevo zbirko zahodne umetnosti od srednjega veka do danes, v ozadju dramatične arhitekture, mirnih vrtov in čudovitih pogledov na okolico Los Angelesa. Tihi ocean, gore San Gabriel in velika mestna ulična mreža, njen cilj je, da zbirka s predstavitvijo in interpretacijo zbirke postane privlačna in smiselna za obiskovalce. Zbirke vključujejo evropske slike, risbe, rokopise, kiparstvo in dekorativno umetnost ter evropske in ameriške fotografije. Široka zbirka prikazuje slike iz severnoitalijanske renesanse, baročno slikarstvo iz Italije in Flandrije, nizozemska 17. stoletja ter francoska dela 18. in 19. stoletja. Oddelek za fotografije hrani devet zbirk in več drugih fotografij, pridobljenih leta 1984. Risbe avtorja Paul Gauguin, Vincent Van Gogh in v zadnjem času redka Michelangelova risba dodaja muzeju določeno strahospoštovanje. J. Zbirke evropskega kiparstva Paul Getty vključujejo bleščeče kose iz obdobja italijanske renesanse, francoske in britanske neoklasike. J. je popestrila slavo muzeja. Muzej Getty Museum je ob odprtju J. kot izobraževalnega centra in muzeja ustvaril še eno kulturno znamenitost. , vila Getty je namenjena preučevanju umetnosti in kultur stare Grčije in Rima. Ohranjanje je temeljna odgovornost muzeja J. Paul Getty in bistveni element poslanstva muzeja.


*Lončena posoda z neprozorno glazuro kositrovega oksida, običajno zelo okrašena.


Getty Center

The Getty Center, v Los Angelesu v Kaliforniji, je kampus muzeja Getty in drugih programov sklada Getty. Center v vrednosti 1,3 milijarde dolarjev je bil odprt za javnost 16. decembra 1997 [2] in je znan po svoji arhitekturi, vrtovih in razgledih na Los Angeles. Center se nahaja na vrhu hriba, ki je povezan s parkiriščem za obiskovalce na dnu hriba s tri avtomobili, vlečenimi s kablom. [3]

Center, ki se nahaja v soseski Brentwood v Los Angelesu, je ena od dveh lokacij muzeja J. Paul Getty in letno privabi 1,8 milijona obiskovalcev. (Druga lokacija je vila Getty v soseski Pacific Palisades v Los Angelesu v Kaliforniji.) Srednja podružnica muzeja vsebuje evropske slike, risbe, osvetljene rokopise, kiparstvo in okrasne umetnosti ter fotografije iz 1830-ih let pred 20. stoletjem. do danes z vsega sveta. [4] [5] Poleg tega muzejska zbirka v centru vključuje skulpture na prostem, prikazane na terasah in v vrtovih, ter velik osrednji vrt, ki ga je zasnoval Robert Irwin. Med razstavljenimi umetninami je slika Vincenta Van Gogha Irises.

V kampusu, ki ga je zasnoval arhitekt Richard Meier, so tudi Getty Research Institute (GRI), Getty Conservation Institute, Getty Foundation in J. Paul Getty Trust. Zasnova centra je vključevala posebne določbe za reševanje pomislekov glede potresov in požarov.


Osebno življenje J. Paula Gettyja

Ta uspeh je pritegnil pozornost in ta pozornost – zlasti ženske vrste – in Getty sta se samo v dvajsetih letih dvajsetega poročila trikrat. Njegov oče, od katerega je izviral njegov poslovni uspeh, je bil zelo zaskrbljen zaradi sinovega človekoljubja in mu je ob smrti zapustil le delček njegovega premoženja v višini 10 milijonov dolarjev. Saj ni bilo pomembno – Getty je bil do takrat že sam po sebi multimilijonar in je zasenčil celo svojega očeta.

Vendar je tik pred njegovo smrtjo leta 1930 citiral Gettyjevega očeta Georgea, da bi nepremišljenost njegovega sina, muhavost in obsedenost z denarjem na koncu privedli do uničenja podjetja, ki sta ga skupaj zgradila. Kljub temu so pametne naložbe in poslovne spretnosti uspele mlajšemu Gettyju. Odlično je preživel finančno nevihto Velike depresije in pridobil naftna podjetja od Tidewater Oil do Pacific Western Oil Corporation –, ki so rasli in razvijali svoje podjetje, dokler ni zajelo le Amerike, ampak tudi svet.


Naftni imperij

Po diplomi se je Getty vrnil v Združene države in začel delati kot divjad, kupovati in prodajati najemnine v Oklahomi. Do leta 1916 je Getty zaslužil svoj prvi milijon dolarjev iz uspešne vrtine in se skupaj z očetom združil v podjetje Getty Oil Company. S svojim novim bogastvom se je za kratek čas upokojil v Los Angelesu, preden se je leta 1919 vrnil k naftnemu poslu.  

V dvajsetih letih prejšnjega stoletja sta Getty in njegov oče še naprej zbirala bogastvo z vrtanjem in posredovanjem pri zakupu.   Ko je George umrl leta 1930, je Getty prejel 500.000 dolarjev dediščine in postal predsednik svojega naftnega podjetja oče & aposs, čeprav je njegova mati obdržala nadzorni delež.

Na svojem novem položaju se je Getty odločil prestrukturirati in razširiti podjetje v samozadostno podjetje, ki je opravljalo vse od vrtanja do rafiniranja do transporta in prodaje nafte. Začel je kupovati in prevzeti nadzor nad drugimi podjetji, vključno z  Pacific Western Oil, Skelly Oil in Tidewater Oil.  Po drugi svetovni vojni je Getty tvegal tudi z vlaganjem milijonov v "nevtralno cono" med Kuvajtom in Savdsko Arabijo. Njegovo igranje na srečo se je obrestovalo leta 1953, ko je nafta udarila in začela teči s 16 milijoni sodov na leto.

Leta 1957 je Sreča revija z imenom Getty najbogatejši človek na svetu. Deset let kasneje je svoje poslovne interese utrdil v  the Getty Oil Company, do sredine sedemdesetih let pa je bilo ocenjeno, da je zgradil osebno bogastvo od 2 do 4 milijarde dolarjev.


Vila J. Paul Getty zgrajena, a nikoli videna

Ironično je, da J. Paul Getty nikoli ni videl vile Getty. Umrl je dve leti po tem, ko je bil muzej januarja 1974 odprt za javnost v novi stavbi po vzoru starodavnega rimskega luksuznega doma. Šele po Gettyjevi smrti junija 1976 se je vrnil s svojega posestva v Angliji na svoj "ranč" na pacifiški obali: pokopan je tam na robu posestva na zasebni parceli s pogledom na ocean, skupaj s svojim najstarejšim in najmlajša sinova, George in Timothy, oba pred njim.

Po prenovi in ​​ponovni namestitvi galerij, Getty Villa odpira novo poglavje v svoji zgodovini. Čeprav Getty nikoli ni opazil svojega ustvarjanja, zgodba o tem, kako je zgradil vilo in sestavil svojo zbirko, prežema galerije še danes. Paket prenovljenih sob - galerije od 105 do 108 - deli to zgodovino. Novi prikazi s starodavnimi umetninami, ki si jih je Getty kupil skupaj z arhivskimi dokumenti, postavljajo predmete v njihov kulturni kontekst in osvetljujejo Gettyjev osebni odnos do njegovega muzeja in zadnjega počivališča.

Od ranč hiše do starodavne vile

Getty je tik po koncu druge svetovne vojne kupil ranč s 64 hektarji, ki je bil nekoč del Rancho Boca de Santa Monica, mehiške podpore za mehiško zemljo v začetku devetnajstega stoletja, 6.656 hektarjev. Theodora ("Teddy") je lahko jahal konje in razstavljal svojo naraščajočo umetniško zbirko.

Ranch House pred prenovo, med letoma 1920 in 1945. Raziskovalni inštitut Getty, institucionalni arhiv

Dobro je poznal območje, saj je že imel majhno hišo na plaži v bližnji Santa Monici, le nekaj korakov od razgibanega kompleksa, ki ga je za igralko Marion Davies zgradil njegov prijatelj in tekmovalec zbiratelj William Randolph Hearst. (Posestvo Davies je zdaj Annenberg Community Beach House, medtem ko je Gettyjevo hišo na plaži zamenjal velik sodoben apartmajski kompleks, 270 Palisades Beach Road.)

Po nakupu nepremičnine je Getty prenovil nizko postavljeno "Ranch House", dodal drugo zgodbo in več funkcij v španskem slogu. Čeprav je Getty leta 1951 trajno zapustil Združene države, za seboj pa pustil Teddyja in njunega sina Timmyja, je Ranch House še naprej polnil z umetninami, leta 1954 pa ga je odprl za javnost kot Muzej J. Paul Getty.

Velika galerija starin v Getty Ranch House med letoma 1957 in 1974. Na skrajnem koncu galerije stoji Lansdowne Hercules. Raziskovalni inštitut Getty, institucionalni arhiv

Sčasoma je stavbo dogradil, da bi prilagodil svojo naraščajočo zbirko, do poznih šestdesetih let pa se je morala še dodatno razširiti. Gettyjevi arhitekti so pripravili več predlogov v različnih stilih - španskem, evropskem in sodobnem - vse pa je zavrnil. Na koncu se je odločil zgraditi repliko starodavne vile dei Papiri v Herkulaneju, ki je bila pokopana v izbruhu Vezuva leta 79 po Kr.

Srečujeta se starodavna in sodobna zgodovina

Več na novo nameščenih galerij v prvem nadstropju vile Getty prikazuje predmete, ki govorijo o njihovi starodavni in sodobni zgodovini. V Galeriji 105, znani kot Dvorana barvnih marmorjev, prevladuje marmorni kip Venere. Getty je takoj priznal, da je "užival v družbi žensk", in ko se je vila prvič odprla leta 1974, je bila celotna galerija posvečena podobam boginje ljubezni.

Pri načrtovanju novega prikaza smo se zato odločili, da se bo prvi od dveh vgrajenih vitrin v tej galeriji osredotočil na upodobitve Venere v različnih medijih: terakoti, marmorju in bronu. Najmanjši predmet v ohišju, fino obdelana bronasta glava boginje, nekoč pritrjena na večjo figuro, je izjemna po ohranitvi zlatega uhana z enim samim biserom. Biseri so bili v antiki, kot so danes, zelo cenjeni in dosegli velike cene.

Največji predmet v primeru, terakotna skupina a Ženska, ki leži na kavču s Kupidom, je še bolj zanimivo. To je prva "starina", ki jo je kupil Getty. Leta 1939, ko se je v Rimu dvoril s Teddyjem, ki je študiral za opernega pevca, je dal številne odsotne ponudbe za predmete, ki se prodajajo iz aristokratske zbirke v Londonu. Zlasti so ga zanimale tapiserije, a na isti strani dražbenega kataloga so bili nekateri predmeti, ki jih je najbolj želel, seznam te terakote. Povezan je bil s podobnimi, ki so jih našli na grškem najdišču Tanagra v poznem devetnajstem stoletju. Ta umetniška dela so bila med zbiralci priljubljena zaradi živahnosti svojih skladb in vpogleda, ki so ga zdeli v vsakdanjem življenju v starodavnem svetu.

Kip ženske, ki leži na kavču s Kupidom, 1875–90, verjetno izdelano v Grčiji. Terakota, pigment in zlato, 7 5/16 × 10 5/8 × 4 5/16 in. Muzej J. Paul Getty, 78.AK.38. Digitalna slika z dovoljenjem Gettyjevega programa odprte vsebine

Podrobnosti o osebni kopiji kataloga predmetov dražbe Sotheby's iz londonskega Cam Housea J. Paula Gettyja. Raziskovalni inštitut Getty

Tako kot pri vseh njegovih nakupih je bil Getty hudoben in si prizadeval doseči najboljšo možno ceno. Toda njegov katalog z dražbami, ki ga je nekdanja kustosinja pomočnice muzeja Getty Laure Marest-Caffey (danes Cornelius in Emily Vermeule kustosinja grške in rimske umetnosti v Muzeju lepih umetnosti v Bostonu) ponovno odkrila v zbirkah knjižnice Getty Research Institute, razkriva, da Sam Getty je dvomil o njegovi pristnosti. Na robu pod vnosom je napisal "moderno?" Terakota je pripadala častitljivi angleški zbirki, zato je bil Getty pripravljen izkoristiti priložnost. Njegova nizka ponudba v višini 10 funtov je prevladala, vendar se je izkazalo, da njegova prva starina sploh ni starina.

Zgodovina na zaslonu

Ta zgodba in drugi o J. Paulu Gettyju in rasti njegovih zbirk je predstavljena na inovativnem razstavnem prostoru v Galeriji 107. Nadgrajevanje na stalni instalaciji J. Paul Getty: Življenje in zapuščina V centru Getty ta interaktivni program, nameščen ob nekaterih priljubljenih Gettyjevih starodavnih skulpturah, obiskovalcem omogoča raziskovanje na stotine arhivskih fotografij, zemljevidov, grafikonov in drugih virov, povezanih z Gettyjevo družino, podjetji, potovanji, razvojem njegovih zbirk, odločitvijo o zgraditi vilo in trajno zapuščino.

Lansdowne Hercules, okoli 125. leta n. Št., Roman. Marmor, 76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 in. Muzej J. Paul Getty, 70.AA.109. Na sliki v Herkulovem templju (Galerija 108).

Galerija 108, znana kot Herkulov tempelj, je medtem videti podobno kot pred ponovno namestitvijo, zdaj pa ima izboljšano osvetlitev in manjši potresni izolator pod znamenitim kipom Lansdownskega Herkula. Ta sprememba omogoča, da več čudovitih polikromiranih marmornih tal pokaže, da je replika ene od prvih najdb dobrokopačev, ki so odkrili Villa dei Papiri leta 1750. Starodavna vila je sama v središču novo postavljenega kubikuluma tik ob atriju , Galerija 101C in bo poleti 2019 predmet mednarodne izposojevalne razstave.

Čeprav Getty nikoli ni obiskal svoje vile, njegova zapuščina še naprej traja. Od njegovih arhitekturnih odločitev do predmetov, ki jih je zbral, se njegova zgodovina dvajsetega stoletja prepleta z zgodovino starih časov in prinaša zgodbe, ki nas očarajo še danes.


Virtualni ogled muzeja Getty

“Veliki kanal v Benetkah od Palazzo Flangini do Campo San Marcuola ” avtor Canaletto

“Veliki kanal v Benetkah od Palazzo Flangini do Campo San Marcuola ” Canaletta je bil poslikan leta 1738.

Ta kompozicija se imenuje veduta (italijansko za “view ”), kar pomeni zelo podrobno, običajno obsežno sliko mestne ali kakšne druge vizure.

Ta slika vendute prikazuje zgornji tok Velikega kanala v Benetkah v Italiji, blizu vhoda v kanal Cannaregio. Slike Vendute so bile sredi 1700-ih priljubljene pri bogatih turistih v Benetke.

“Sodobni Rim – Campo Vaccino ” avtorja J.M.W. Turner

“Sodobni Rim - Campo Vaccino ” avtorja J.M.W. Turner je krajinska vizija ne izkopanega rimskega foruma, ki se še vedno imenuje Campo Vaccino, kar pomeni “Kravja paša ”, ki se sveti v megleni svetlobi.

Deset let po zadnji poti v Rim si je Turner po spominu zamislil Rim. Cerkve in starodavni spomeniki v rimskem forumu in okolici se raztopijo v svetlih barvah.

Luna se dviga na levi. Sonce zahaja za Capitoline Hill na desni.

“Irises ” avtor Vincent van Gogh

“Irises ” je ena od številnih slik ‘Irises ’ Vincenta van Gogha in ena od serije slik, ki jih je naslikal v azilu v Saint-Rémyju v Franciji, v zadnjem letu pred njegovo smrtjo.

Leta 1889 se je Van Gogh po več epizodah samopoškodovanja in hospitalizacije odločil za vstop v azil. Tam je v zadnjem letu pred smrtjo ustvaril več kot 120 slik.

Kmalu po vstopu v azil je Van Gogh začel Irises, ki je delala iz narave na azilnem vrtu. Slikanje je poklical kot strelovod za mojo bolezen ”, ker se mu je zdelo, da se lahko znebi, če nadaljuje s slikanjem.

“Po kopanju ženska, ki suši hrbet ”, avtor Edgar Degas

“Po kopanju ženska, ki suši hrbet ”, avtor Edgar Degas, je odtis kopalke, ki kleči na stolu, pokritem z brisačami, ko se s hrbtom nasloni na naslonjalo stola, kot da bi želela nekaj pobrati z desno roko .

Ta natis je del serije fotografij, odtisov, risb, predhodnih skic v pastelih in oljih, ki jih je napisal Degas iz tega obdobja in prikazuje ženske med kopanjem.

Degas je pogosto uporabljal skice in fotografijo kot predhodni korak za preučevanje svetlobe in kompozicije za svoje slike. To delo je del serije, ki prikazuje ženske, tako kot v tem primeru, v nerodnih in nenaravnih položajih.

Degas je rekel, da namerava v gledalcu ustvariti občutek, kot če pogledate skozi ključavnico. ”

“Wattstacks, Snow Effect, Morning ” avtorja Claude Monet

“Wattstacks, Snow Effect, Morning ” avtorja Claude Monet je del serije skladov žanjene pšenice. Serija je sestavljena iz petindvajsetih platen, ki jih je Monet začel konec poletja 1890, in čeprav je Monet ustvaril tudi prejšnje slike z uporabo iste teme.

Impresionistična serija je znana po tem, kako je Monet ponovil isto temo, da bi prikazal različno svetlobo in vzdušje v različnih časih dneva, v različnih letnih časih in v številnih vremenskih razmerah.

Monetova serija kozolcev je ena njegovih prvih, ki se je oprla na ponavljanje teme, da bi ponazorila subtilno razliko v zaznavanju barv v različnih časih dneva, letnih časih in vremenu.

“Portret Halberdierja ” avtorja Pontormo

“Portret helebarde ” avtorja Pontormo prikazuje mladeniča, ki stoji pred trdnjavskim zidom in drži helebardo.

Naletarnica je orožje z dvema rokama, ki je prišlo do izrazite uporabe v 14. in 15. stoletju, čete, ki so orožje uporabljale, pa so se imenovale helebarde.

Identiteta osebe pa ni absolutna, Florentinski zapisi so zapisali, da je Pontormo med obleganjem Firenc leta 1528 slikal portret mladega plemiča po imenu Francesco Guardi.

“Spomlad ” avtor Édouard Manet

Pomlad avtorja Édouard Manet upodablja pariško igralko Jeanne DeMarsy v cvetlični obleki s senčnikom in pokrovom na ozadju bujnega listja in modrega neba kot utelešenje pomladi.

Prikazana je pripravljena in gleda naravnost, slika odmaknjenosti, čeprav se zdi, da se popolnoma zaveda našega pogleda.

Ta slika je bila prva od načrtovane četverice alegoričnih del, ki je uporabila elegantne pariške ženske za prikaz štirih letnih časov. Ideja je bila ustvariti vrsto letnih časov, ki jih poosebljajo sodobni ideali ženske, mode in lepote.

Serija ni bila nikoli končana, Manet pa je leto dni po tem, ko je dokončal le drugo serijo, jesen, umrl.

Grški Kouros (Muzej Getty)

Ta grški Kouros v muzeju Getty je marmorni kip golega golega mladeniča v vse večji velikosti v napredni drži.

Sodobni izraz kouros (množina kouroi) se uporablja za samostojne starogrške skulpture, ki so se prvič pojavile v arhaičnem obdobju v stari Grčiji in predstavljajo gole moške mlade. V starogrški kouros pomeni "mladenič, fant, zlasti plemenitega ranga"

Takšne kipe najdemo po vsem grško govorečem svetu. Večino te vrste so našli v Apolonovih svetiščih.

“Spomladi ” avtorja Lawrence Alma-Tadema

“Spomlad ” avtorja Lawrence Alma-Tadema prikazuje festival Cerealia v klasični rimski marmornati ulici. V starodavni rimski veri je bila Cerealia glavni praznik, ki so ga praznovali za boginjo žita Ceres.

To je potekalo sedem dni od sredine do konca aprila, na tej sliki pa je povorka žensk in otrok, ki se spuščajo po marmornih stopnicah, ki nosijo in nosijo rože v svetlih barvah.

Veseli gledalci zapolnijo vsa razgledna mesta klasičnih rimskih stavb.

Tademina radovednost o starodavnem svetu Grčije in Rima je bila nenasitna, njegovo znanje pa je v to sliko vključeno skozi arhitekturne podrobnosti, obleko, kiparstvo in okraske, ki temeljijo na rimskih izvirnikih.

“Portret moškega ” Paola Veroneseja

“Portret moškega ” Paola Veroneseja upodablja moškega, naslonjenega na podlago strukture s stebri. V niši med stebri je marmorna skulptura drapirane figure, od katere je viden le spodnji del.

Identiteta tega človeka je skrivnost, namigi na sliki pa se lahko nanašajo na poklic te teme, morda kiparja ali arhitekta.

“Euclid ’ avtorja Jusepe de Ribera

Euclid avtorja Jusepeja de Ribera, prikazuje "očeta geometrije", ki izhaja iz senc za mizo. Predstavljen kot slavnostni učenjak, ki prikazuje svojo obrabljeno knjigo z različnimi geometrijskimi figurami in psevdo-grškimi liki.

De Ribera se je vse svoje sposobnosti osredotočil na moške obrazne podrobnosti, od neurejene brade do gub na čelu in gub na pokrovih nad temnimi očmi.

Upodobljen kot človek z raztrganimi oblačili in počrnjenimi, umazanimi prsti, ki poudarja Evklidovo predanost intelektualnim in ne materialnim prizadevanjem.

“ Venera in Adonis ” Tiziana

“Venus in Adonis ” Tiziana prikazuje Venero, ki skuša svojega ljubimca Adonisa zadržati pred odhodom na lov. Njegovi psi se napenjajo na povodcih in ponavljajo njegovo nestrpnost, kot je podrobno opisano v Ovidijevih metamorfozah.

Kupid spi v ozadju, simbol Adonisovega odpora proti objemu Venere. Zgodba pripoveduje, kako nekega jutra, ko se Venera odpravi na svojem nebesnem vozičku, Adonisovi psi preženejo divjega prašiča, ki se obrne proti njemu.

Venera sliši zastoke Adonisa, skoči s svojega vozila in ga ugotovi, da umira. Iz krvi svojega ljubimca ustvari krhko cvetlico, katere cvetni listi so razpršeni po vetru, v grščini poimenovani anemona ’ windflower ’.

“Portret Marquise de Miramon ” avtorja James Tissot

“Portret Marquise de Miramon ” avtorja James Tissot prikazuje Marquise v rožnatem, nagubanem peignoirju. Okrog njenega vratu sta črna čipkasta ruta in srebrni križ.

Za njo je moden japonski zaslon, ki prikazuje žerjave na zlatem ozadju, na kaminu pa več japonskih keramik.

Blato Louis XVI in doprsni kip iz terakote nakazujeta njen aristokratski status. Ta slika je bila razstavljena na svetovnem sejmu v Parizu. Thérèse Feuillant (1836 - 1912) je od očeta podedovala bogastvo, leta 1860 pa se je poročila z Rénéjem de Cassagneom de Beaufortom, markizom de Miramonom.

“Ue Mosnier, oblečen v zastave ” avtorja Édouard Manet

“Rue Mosnier oblečen z zastavami ” avtorja Édouard Manet prikazuje pariško ulico, okrašeno s francoskimi zastavami za prvi državni praznik, ki se je zgodil 30. junija 1878. Imenovali so ga “Fête de la Paix, ” oz. v angleščini, “Proslava miru. ”

Rue Mosnier, ki se zdaj imenuje Rue de Berne, je bilo mogoče videti iz studia Manet ’s na naslovu 4 Rue de Saint-Pétersbourg. Na tem platnu je razgled z okna v drugem nadstropju, na stavbah ob cesti pa visijo trobarvne zastave.

Manet je praznično popoldne ujel v zgornji polovici skladbe s domoljubno harmonijo rdečih, belih in modrih francoske zastave, ki se je mahala po ulici.

V spodnji polovici kompozicije je enonožni moški na berglah, verjetno veteran, ranjen v francosko-pruski vojni. Na dnu je tudi moški, ki nosi lestev, na levi pa ograja, ki zadržuje ruševine gradbenih del.

Urbana ulica je bila predmet zanimanja impresionističnih in modernističnih slikarjev. Manet je odražal preobrazbo in rast industrijske dobe ter njen vpliv na družbo.


Starodavni izvor cvetne krone

Cvetlična krona je danes moden pripomoček, ki je sinonim za veselice Coachella in neveste boho, vendar ni nov: nošenje listov in cvetja kot pokrivala ima bogato zgodovino že v starodavnem klasičnem svetu.

Krožna ali podkvesta oblika venca je že od antike simbol slave, moči in večnosti. V stari Grčiji in Rimu so bile številne krone narejene iz volne in listja, kot so listi mirte in bršljana, okrašeni pa so bili z različnimi cvetovi, ki so skozi čas povezovali različna združenja.

Starodavni bogovi in ​​boginje so bili v umetnosti in literaturi pogosto predstavljeni v posebnih rastlinah, namenjenih njim. V Ovidijevih Metamorfoze, lepa nimfa Daphne uspe ubežati svojemu zasledovalcu, bogu Apolonu, tako da se spremeni v lovorovo drevo. Apollo odreže vejo z drevesa in vzklikne: "Čeprav ne moreš biti moja žena, boš vsaj moje drevo, vedno te bom nosil na laseh, na svojem tulcu, o Lovor." (557–559). Obdrži svojo besedo, zato je pogosto upodobljen z lovorovim vencem kot simbol njegove ljubezni do Daphne. Apollo je bog pesnikov in piscev, izraz pesnik laureat, ki ga uporabljamo danes, pa izhaja iz tega mita.

Listi belega topola so bili povezani s Herkulom, ki je po tradiciji drevo uvažal v Olimpijo iz severozahodne Grčije.

Hercules nosi venec. Herkulov kip, 100-199 n.št., rim. Marmor s polihromijo, visok 46 palcev. Muzej J. Paul Getty, 73.AA.43.1. Digitalna slika z dovoljenjem Gettyjevega programa odprte vsebine

Stari Grki so krono prvič predstavili kot častno nagrado za zmagovalce na atletskih, vojaških, pesniških in glasbenih tekmovanjih. Na primer, Pitijske igre so v Delfih potekale vsaka štiri leta v čast Apolona, ​​zmagovalci pa so tradicionalno prejeli venec lovorjeve lovorje. Lovorjev lovor izvira iz sredozemske regije in je bil pomemben simbol zmage, dosežkov in statusa.

Oljčne vence so prejeli tudi zmagovalci atletskih tekmovanj, na primer goli mladenič, prikazan spodaj. Divje oljke so rasle v Olimpiji, kjer so potekale olimpijske igre, oljčni venci pa so bili nagrajeni zmagovalcem na teh igrah. Morda je bil tekač, rokoborec ali dvigovalec uteži, ki se krona ali odstrani venec, da ga posveti bogovom v znak pobožnosti.

Mladenič, ki se je okronal z oljčnim vencem. Kip zmagovalne mladosti, 300–100 pr. N. Št., Grk, bronasta z vloženimi bakrenimi bradavicami, visoka 59 5/8 palca. Muzej J. Paul Getty, 77.AB.30. Digitalna slika z dovoljenjem Gettyjevega programa odprte vsebine

Simbolika lovorjevega venca je ohranjena do danes. Na primer, na primer je bil oblikovan na medaljah za olimpijske igre v Riu 2016.

Stari Rimljani so nadaljevali tradicijo krone kot nagrado za zmago. Svoje voditelje in vojaško osebje so oblekli v krone iz lovorja, hrasta ali mirte. Travna krona oz corona obsidionalis je bila najvišja vojaška čast, ki jo je oblegana vojska podelila generalu, ki jih je osvobodil. Narejen je bil iz trave, plevela in divjega cvetja, zbranega na mestu napada vojske.

Profil moškega, ki je nosil lovorjev venec in je nakazoval, da je verjetno visokega vojaškega ranga. Cameo, 1700–1800, evropski. Muzej J. Paul Getty, 83.AL.257.15, Zapuščina Eli Djeddah. Digitalna slika z dovoljenjem Gettyjevega programa odprte vsebine

Cvetne krone so nosili tudi za praznovanja in praznovanja, podobno kot danes, so bili običajni na dogodkih, kot so žrtvovanje bogov in prazniki. Na upodobitvah grških moških na simpozijih (aristokratskih pijačah) pogosto vidimo figure, ki nosijo vence. Verjeli so, da jim vezanje fileta okrog glave olajša pijanost - čeprav se obiskovalci današnjih festivalov morda ne strinjajo. Te so bile prvotno narejene iz volne, kasneje pa okrašene s cvetjem in cvetnimi listi iz vrtnic, vijolic, mirte in peteršilja.

Vinski pokal z mladim in moškim, 450–440 pr. N. Št., Pripisan slikarju Euaion. Terakota, 15 9/16 palcev premer Muzej J. Paul Getty, 86.AE.682. Digitalna slika z dovoljenjem Gettyjevega programa odprte vsebine

V Rimu je festival Floralia potekal v čast Flore, boginje cvetja, rastlinja in pomladi-zato ne preseneča, da je naglavni del iz cvetnih listov in prepletenih trt nujen dodatek. Na tej predstavitvi kipa Flora je upodobljena s cvetlično krono.

Kipec Farnese Flora, 1871, William Chaffers. Woodburytype, 4 3/4 × 3 11/16 in. Muzej J. Paul Getty, 84.XB.935.23.3.83. Digitalna slika z dovoljenjem Gettyjevega programa odprte vsebine

V Evropi so ta verski praznik pozneje praznovali kot posvetni prvomajski dan. Na sliki Alma-Tademe Pomlad, umetnik predstavlja to praznovanje in tradicijo, da otroke prvega maja pošljejo ven po cvetje. Procesija žensk in otrok nosi pisane cvetlične krone in nosi košare s cvetjem. Alma-Tadema je bil obseden s starim svetom in to viktorijansko praznovanje je celo postavil v namišljeni stari Rim.

Procesija žensk in otrok, ki nosijo svetle cvetlične krone. Pomlad, 1894, Lawrence Alma-Tadema. Olje na platnu, 70 1/4 × 31 5/8 in. Muzej J. Paul Getty, 72.PA.3. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Although the flower crown was popular in the ancient world, as Christianity spread it fell out of favor due to its association with pagan festivals. But it made a comeback in Renaissance art, as artists and scholars looked again to the classical past for inspiration.

In modern times we often see flower crowns used as a reminder of the ancient Mediterranean world. As just one example, German photographer Baron Wilhelm von Gloeden used the flower crowns in portraits he created of in Sicily, as a symbol of his subjects’ ancient heritage.

A boy wearing a lily wreath. Boy with Lillies, about 1890–1914, Baron Wilhelm von Gloeden. Toned gelatin silver print, 8 3/8 × 6 1/4 in. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.631.12. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Even the bridal crown, it turns out, has ancient roots. The Roman bride would wear a crown made of verbena that she herself had picked. In modern times, Queen Victoria made the practice fashionable by wearing a crown of orange blossoms in her hair on her wedding day to prince Albert on February 10, 1840. It was also during the Victorian era that interest in “floriography” rose, with women often depicted wearing flowers to communicate a personal attribute. The orange blossom, for example, is a symbol of chastity.

Portrait of a Bride with Orange Blossoms, 1907 – 1943, Louis Fleckenstein. Gelatin silver print, 9 7/16 x 7 in. The J. Paul Getty Museum, 85.XM.28.275. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program.

Today the trend of wearable fronds and flowers continues in a variety of ways—as a symbol of victory, celebration, love, romance, or femininity, whether you’re wearing a wreath to a festival or donning a digital version on Snapchat.

Want to try it for yourself?

Try it at home with these YouTube tutorials.

Nadaljnje branje

A few good sources for delving deeper into the historical roots of the flower crown:


Ewan McGregor, 50, welcomes secret baby boy - and daughter lets slip the name

Hancock's wife �ook pals with mistress & thought marriage was happy'

Sledite Soncu

Storitve

& copyNews Group Newspapers Limited v Angliji št. 679215 Sedež: 1 London Bridge Street, London, SE1 9GF. "The Sun", "Sun", "Sun Online" so registrirane blagovne znamke ali trgovska imena News Group Newspapers Limited. Ta storitev je na voljo v standardnih pogojih in pogojih News Group Newspapers Limited, v skladu z našo politiko zasebnosti in piškotkov. Za povpraševanje o licenci za reprodukcijo materiala obiščite našo spletno stran Syndication. Oglejte si naš spletni tiskovni paket. Za druga vprašanja nas kontaktirajte. Če si želite ogledati vso vsebino na The Sun, uporabite zemljevid mesta. Spletno mesto Sun ureja Neodvisna organizacija za standarde tiska (IPSO)


Press Release

J. PAUL GETTY MUSEUM ACQUIRES MAJOR 19 th -CENTURY LANDSCAPE PAINTING

BY ITALIAN ARTIST GIOVANNI SEGANTINI

The lush mountain scene was commissioned for American collector Jacob Stern

and was on public view in San Francisco for more than 70 years

Spring in the Alps, 1897
By Giovanni Segantini

On view at the Getty Museum, Getty Center, Los Angeles beginning February 12

LOS ANGELES – The J. Paul Getty Museum announced today the acquisition of Spring in the Alps, 1897, by Giovanni Segantini (Italian, 1858-1899). Originally painted for Jacob Stern, a San Francisco collector and director of Levi Strauss & Co, the painting has a long connection to California. It was on continuous loan to Legion of Honor in San Francisco from 1928 until it was sold by Stern’s descendants in 1999.

“Giovanni Segantini was at the peak of his career when he created this luminous panoramic scene,” said Timothy Potts, director of the Getty Museum. “Featuring his characteristic thick brushstrokes and brilliant color palette—which includes flecks of gold leaf—the painting is among the most extraordinary and captivating landscapes produced in Europe at the end of the 19th century. It will resonate powerfully alongside our great Impressionist and Post-Impressionist works from France and paintings by northern European artists of the era. Significantly, with this acquisition, Spring in the Alps finds a permanent public home in California, its original destination, and we hope museum-goers from San Francisco, where it was on view for more than 70 years, will visit the painting at the Getty when they are in Los Angeles.”

At more than four by seven feet, Spring in the Alps is a monumental, sweeping depiction of an alpine landscape near the village of Soglio in Switzerland, with its recognizable church tower visible on the right side of the picture. The view is of an expansive plateau and valley ringed by glaciers and majestic snow-capped mountains. In the middle of the composition a farm woman dressed in a blue and red peasant costume characteristic of eastern Switzerland leads two large horses past a watering trough. They are coming from a freshly plowed field where a sower scatters seeds and a black and white dog stands guard. The scene is sunny and colorful, emphasizing a glorious vista with a brilliant blue sky and ribbons of clouds.

Segantini painted the sizeable canvas in the open air, with additional work completed in the studio. He took liberties with the topography to suit his composition, adjusting the relative scale of the mountains, the perspective of the valley, and the position of the town. He created the vibrant color scheme and brilliant effects of light following the principles of Divisionism, the practice of juxtaposing pure local colors in the belief that the hues mix optically in the eye of the viewer, creating especially luminous effects. This pseudo-scientific movement in painting was first launched in France in the 1880s by George Seurat and Paul Signac, where it was dubbed “Neo-Impressionism.” The movement was subsequently adopted by Italian painters, with Segantini becoming a principal exponent. In contrast to Seurat’s pointillist brushstrokes, Segantini employed long, thin strokes of contrasting color. The rich impasto and the tactile, almost woven, quality of the painted surface, marvelously capture the crisp transparency of the atmosphere, the harshness of the rocks, the thickness of the grass, and the roughness of the skin of the animals.

Spring in the Alps is a joyous hymn to the cycle of life and the reawakening of nature in spring after a long, hard winter,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty. “It is an extraordinarily accomplished work where symbolism and naturalism are inextricably intertwined. Segantini himself counted it among his absolute masterpieces. Panoramic in scale and astonishingly luminous, Spring in the Alps is one of the greatest paintings of the Italian Ottocento in America, an iconic work that expands our ability to tell the story of 19th-century European painting.”

Spring in the Alps was commissioned by the American painter Toby E. Rosenthal (1848-1917), who resided in Munich, for San Francisco businessman and collector Jacob Stern (1851-1927), whose father, David Stern, co-founded Levi Strauss & Co. Segantini exhibited the picture at the 7th Munich Secession in 1897 and then took the painting back to his studio in Switzerland where he made further adjustments. In early 1899 the picture was sent to San Francisco to be the centerpiece of Stern’s collection. It was so well known even then, that the painting’s rescue from the 1906 earthquake and fire was reported in the national press. Upon Stern’s death in 1927, and in accordance with his wishes, Spring in the Alps was loaned by his heirs to the California Palace of the Legion of Honor. There it stayed on public view for more than 70 years. In 1999 the estate of Stern’s heir sold the picture at auction in New York.

Born in Arco (Trento) in 1858, Giovanni Segantini counts among the most important Italian artists of his generation. He was internationally famous for his dreamy Alpine landscapes, which combine elements of Jean-François Millet’s reverent naturalism with Georges Seurat’s dappled Divisionist technique and the allegorical subjectivity of the work of contemporary Symbolists, from Gustav Klimt to Paul Gauguin. Segantini&rsquos work represents the transition from traditional nineteenth-century art to the changing styles and interests of the twentieth century.

Orphaned as a boy, Segantini was apprenticed to a photographer in Milan, where in 1873 he began attending night classes at the Brera’s Academy of Fine Arts. In the early 1880s, on the advice of the painter-dealer Vittore Grubicy de Dragon, he experimented with plein-air painting during an extended visit to the Brianza region. Marketed by Grubicy, with whom Segantini signed an exclusive contract in 1883, the resulting landscapes attracted international attention and quickly made their author’s fortune. Segantini settled in the picturesque Swiss valley of the Engadine, where he painted views of the surrounding mountains for the rest of his career, often carting his enormous canvases out into the elements to work directly from nature. Despite his somewhat remote location, Segantini kept abreast of the contemporary art scene, maintaining a lively correspondence with Gustav Klimt, Max Liebermann, and others, while his work was exhibited in London, Amsterdam, Paris, and Munich.

In 1897, Segantini was commissioned by a group of local hotels to build a huge panorama of the Engadin valley to be shown in a specially built round hall at the 1900 Exposition Universelle in Paris. Before it was completed, however, the project had to be scaled down for financial reasons. Segantini redesigned the concept into a large triptych known as Life, Nature, and Death (Museo Segantini, St. Moritz), which is now his most famous work. Eager to finish the third part of his large triptych, Narava, Segantini returned in 1899 to the mountains near Schafberg. The pace of his work, coupled with the high altitude, affected his health, and in mid-September he became ill with acute peritonitis. Two weeks later he died at the age of 41. Two years later the largest Segantini retrospective to date took place in Vienna. In 1908, the Museo Segantini was established in St. Moritz, Switzerland.

Spring in the Alps joins another important work by Segantini in the Getty Museum’s collection, Study for “La Vita” (1897), a large pastel that parallels the painting’s composition and is dedicated to his friend Toby Rosenthal, who facilitated the commission of Spring in the Alps from Jacob Stern. In excellent condition, Spring in the Alps comes to the Getty in the elaborate frame that the artist originally designed for it. It will be put on exhibition in the Museum’s West Pavilion on February 12th, alongside other works of art from 19th century Europe.


The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Muzej J. Paul Getty collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum’s mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Press Release

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs will be exhibited Alongside Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium

LOS ANGELES – From 1973 to 1984, Samuel J. Wagstaff Jr. (American, 1921-1987) assembled one of the most important private collections of photographs in the world. With more than 26,000 objects, the collection spans the experimental beginnings of photography in the nineteenth-century to the works of artists active in the 1970s and 1980s. In 1984 Wagstaff sold his collection to the J. Paul Getty Museum, and thirty-two years later it remains the Museum’s single largest holding of art from one source. The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs, on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center, features a selection of works from Wagstaff’s collection, offering a look at how his broad and idiosyncratic tastes helped to expand the photographic canon.

“The acquisition of Samuel Wagstaff’s collection of photographs in 1984 was a landmark event in the Museum’s short history,” explains Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “In one move, the Getty became the custodian of one of the most important private collections of photographs in the world, thus setting the stage for the Museum to become, as it since has, one of the preeminent public photographic collections of the world. Wagstaff’s eye for quality and voracious appetite for collecting, ranging from Fox Talbot, Nadar and Man Ray to Lange, Arbus and Hujar, set him apart from his peers and fueled his reputation as a connoisseur and taste-maker in photography as a art form—a status that was still not yet universally acknowledged. This exhibition is the first to give Wagstaff’s critical role in photographic history its due."


Mrs. Herbert Duckworth, 1867. Julia Margaret Cameron (British, born India, 1815 - 1879). Albumen silver print. 34 x 24.9 cm (13 3/8 x 9 13/16 in.) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Born into a socially prominent New York City family, Wagstaff attended Yale University and the Institute of Fine Arts at New York University before working as a curator at the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut, and the Detroit Institute of the Arts. While he was a champion of contemporary art and organized numerous innovative exhibitions, it was not until he met the artist Robert Mapplethorpe (American, 1946-1989) that he developed an interest in collecting photographs. The two met in 1972 and became lovers, with Wagstaff supporting Mapplethorpe’s fledging career and Mapplethorpe helping Wagstaff understand the value of photography as art. Within a few short years, Wagstaff became a preeminent collector in a still young market.

Wagstaff promoted photography as an art form by exhibiting, publishing, and lecturing on his collection. In 1978 he organized the exhibition Photographs from the Collection of Sam Wagstaff, which opened at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C. before beginning a seventeen-venue tour. His reputation as an arbiter of taste provided an impetus for museums to collect photographs and for scholars to devote their studies to photography.

“In addition to frequenting auctions in New York, London, and Paris, Wagstaff would often troll secondhand shops and flea markets during his travels, and come back with shopping bags full of prints,” says Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum and curator of the exhibition. “Wagstaff had a knack for discovering photographs by unknown makers that were deserving of attention and was bold enough to hang these works next to those by the established masters.” The Wagstaff Collection is known for its quality and breadth, and the exhibition will include photographs by the medium’s pioneers, including William Henry Fox Talbot, Hill & Adamson, Gustave Le Gray, Nadar, and Julia Margaret Cameron. Wagstaff also had an eye for early twentieth-century photography, purchasing prints by Adolf de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, August Sander, Edward Weston, and Dorothea Lange. Contemporary photographs are represented in the collection with works by William Eggleston, Diane Arbus, William Garnett, Larry Clark, Jo Ann Callis, and Peter Hujar.

After Wagstaff sold his collection of photographs to the Getty Museum in 1984, he turned to nineteenth-century American silver, and quickly amassed one of the finest collections in the field. On view in the exhibition is a Gorham sterling ice bowl and spoon fashioned in the shape of blocks of ice with cast icicles and polar bear handles. Wagstaff pestered Mapplethorpe to photograph the ice bowl, so it could be reproduced in a catalogue for an exhibition of Wagstaff’s collection of silver at the New York Historical society (that photograph is on view in Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium). Sadly, the catalogue was never published and Wagstaff died from AIDS-related complications, just two months before the exhibition opened.

“The story of Wagstaff’s late-in-life interest in silver underscores the core values that made him successful as a collector of photographs,” adds Martineau. “He began with a medium that he thought was remarkable and undervalued, and put all of his resources into building a world-class collection.”

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs is on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center. The exhibition is curated by Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum. The exhibition will be displayed in galleries adjacent to Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium, also on view March 15-July 31, 2015 at the Getty and March 20-July 31, 2015 at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA). The Wagstaff exhibition will then travel to the Wadsworth Atheneum September 10-December 11, 2016 and the Portland Art Museum in Maine February 1-April 30, 2017.

The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Muzej J. Paul Getty collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum&rsquos mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Poglej si posnetek: J. Paul Getty